Die schlechtesten Entscheidungen der Musikgeschichte

Von Andy Greene

Um es mit den Worten des Dichters Alexander Pope aus dem 18. Jahrhundert auszudrücken: Irren ist menschlich. Aber die meisten von uns normalen Menschen machen Fehler in ziemlich kleinen Größenordnungen, wie zum Beispiel den Hausschlüssel bei der Arbeit zu lassen oder zu vergessen, in der Durchfahrtsstraße Pommes zu bestellen. Wenn Rockstars Fehler machen, tun sie dies auf epische, spektakuläre Weise, mit oft katastrophalen Folgen.

Sie können zu jahrzehntelangen bitteren Fragen führen: „Was wäre, wenn ich im Musikvideo nicht dieses rosa Tanktop tragen würde? Was wäre, wenn ich nicht gesagt hätte, dass wir größer als Jesus sind? Was wäre, wenn ich nicht den Nazi-Gruß gezeigt hätte.“ dieser britische Bahnhof?“

Aber es gibt im Leben keine Rücknahme. Rockstars müssen wie der Rest von uns für immer mit den Konsequenzen ihres Handelns leben. In dieser Liste blicken wir auf die lange Geschichte der Scheiße von Rockstars zurück und nennen die 50 größten. Um es klar auszudrücken: Wir haben dies weitgehend auf berufliche Entscheidungen beschränkt, die Auswirkungen auf die Karriere hatten. Viele Rockstars haben schrecklich destruktive Dinge getan, wenn es um Drogen oder die Behandlung von Frauen geht, aber das ist eine ganz andere Liste. (Um unsere Podcast-Version dieser Liste anzuhören, drücken Sie oben auf „Play“ oder hören Sie sich Apple Podcasts oder Spotify an.)

Bis Ende 1979 hatten alle, von Rod Stewart über die Rolling Stones bis hin zu Kiss, riesige Disco-Hits geschaffen. Der Schritt mag einige ihrer ursprünglichen Fans verärgert haben, aber das spielte kaum eine Rolle, wenn man so große Songs wie „Miss You“, „I Was Made For Lovin' You“ und „Da Ya Think I'm Sexy?“ hat. Und so ist es leicht zu verstehen, warum Elton John, der eine Reihe enttäuschender Alben wie „A Single Man“ und „Blue Moves“ hinter sich hatte, sich dazu entschloss, mit dem englischen Produzenten Pete Bellotte zusammenzuarbeiten und die Disco-LP „Victim of Love“ zu produzieren. Aber es kam, nachdem die „Disco Sucks“-Gegenreaktion in vollem Gange war und John auf der LP verblüffende Entscheidungen traf, wie zum Beispiel die Umwandlung von Chuck Berrys „Johnny B. Goode“ in einen Dance-Track. „Victim of Love“ war eine absolute kommerzielle Bombe und beendete das außergewöhnlichste Jahrzehnt von Johns Karriere mit einem sehr bitteren Ende. „Es hat meiner Karriere nicht besonders gut getan“, sagte John, „aber ich bereue es nicht.“

Glen Matock war nicht nur der Bassist der Sex Pistols, sondern auch einer ihrer wichtigsten Songwriter. Trotzdem entließen sie ihn Anfang 1977 nach monatelangen Spannungen zwischen ihm und Johnny Rotten. Die Band hätte überleben und vielleicht sogar gedeihen können, wenn sie einen kompetenten Ersatz geholt hätte, der in der Lage wäre, seine Rollen zu übernehmen und zu zukünftigen Songwriting-Sessions beizutragen. Stattdessen brachten sie einen Heroinsüchtigen mit, der keine Ahnung hatte, wie man Bass spielt oder irgendetwas schreibt, das einem Lied ähnelt. Sid Vicious mag eine Ikone sein, aber er hat in der Band nicht viel bewirkt, außer Chaos zu stiften und den Zeitplan für ihre unvermeidliche Auflösung zu beschleunigen. „Vielleicht hätte uns die Chemie dazu bewogen, ein weiteres Album aufzunehmen, wenn Matlock geblieben wäre“, gab Gitarrist Steve Jones in seinen Memoiren „Lonely Boy“ zu. „Aber es war nicht unser Schicksal, eine progressive Phase zu erleben, in der wir eine Folk-Platte machten und mit Barclay James Harvest auf Tour gingen. Die Sex Pistols wurden geboren, um zu krachen und zu brennen, und genau das haben wir getan.“

Die Grammys haben keine besonders gute Erfolgsbilanz bei der Auswahl des besten neuen Künstlers eines Jahres. Die Beatles mögen zwar 1965 gewonnen haben, aber sie haben ihn 1977 auch an die Starland Vocal Band und 1978 an Debby Boone vergeben. Werfen wir nun einen Blick auf die Nominierten von 1979: die Cars, Elvis Costello, Toto, Blues-Rock-Gitarrist Chris Rea und das Disco-Duo A Taste of Honey, das 1978 mit „Boogie Oogie Oogie“ die Charts anführte. Die Grammys gingen natürlich mit „A Taste of Honey“ einher. Wir schlagen die Gruppe nicht um. „Boogie Oogie Oogie“ ist ein schönes Lied. Aber vielleicht, nur vielleicht, hätten die Cars oder Elvis Costello die Auszeichnung etwas mehr verdient.

Lange bevor Maroon 5-Frontmann Adam Levine anfing, erschütternde DMs an Frauen auf Instagram zu schicken, hatten wir alle schon viele Männer gesehen, die durch solche Taten ihre Ehe und Karriere ruinierten. Das hielt ihn jedoch nicht davon ab, erschreckende Notizen zu schreiben wie „Wenn ich sehe, wie dein Arsch auf dem Tisch wackelt, werde ich dauerhaft Angst haben“ oder „Vielleicht muss ich den Hintern sehen“, um beliebige Frauen auf Instagram zu vervollständigen. Als sie auftauchten, legte das Internet alle seine Differenzen beiseite, um sich über ihn lustig zu machen. „Ich habe ein schlechtes Urteilsvermögen an den Tag gelegt, als ich mit jemand anderem als meiner Frau auf kokette Art und Weise gesprochen habe“, schrieb er in einer Erklärung. „Ich hatte keine Affäre, trotzdem habe ich in einer bedauerlichen Zeit meines Lebens die Grenze überschritten.“ Wir haben keine Ahnung, was seine Frau zu all dem denkt (sie ist immer noch mit ihm zusammen und sie werden oft zusammen in der Öffentlichkeit gesehen), aber das Internet vergisst es nie. Bis zum Ende von Twitter wird er in seinen Erwähnungen Witze über „Ich muss die Beute sehen“ sehen.

Ende der sechziger Jahre war Bob Dylan so verärgert über die Medien, die ihn als „Stimme einer Generation“ behandelten, und über eine Fangemeinde, die ihn als Messias betrachtete, dass er beschloss, etwas drastisches zu tun. „Ich sagte: ‚Scheiß drauf. Ich wünschte, diese Leute würden mich einfach vergessen‘“, sagte er 1984 dem Rolling Stone. „Ich möchte etwas tun, das ihnen unmöglich gefällt, mit dem sie sich nicht identifizieren können.“ Dies führte zu „Self Portrait“, einem Doppelalbum, das hauptsächlich aus Coversongs besteht, die er mit Streichern, Chören und Bläsern aufpeppte. Greil Marcus sprach im Namen vieler Kritiker, als er seine Rolling-Stone-Rezension mit den Worten eröffnete: „Was ist das für ein Scheiß?“ „Die ganze Idee ging nach hinten los“, sagte Dylan. „Weil das Album herauskam und die Leute sagten: ‚Das ist nicht das, was wir wollen‘, und sie wurden immer verärgerter.“

Als die Siebziger in die Achtziger übergingen, ging es Yes nicht gut. „Prog-Rock war so wunderbar aus der Mode gekommen“, sagte Keyboarder Rick Wakeman dem Rolling Stone im Jahr 2019. „Es war so, als würde man im Vatikan auftauchen und fragen: ‚Können wir ein paar Kondomautomaten aufstellen?‘“ Sie versuchten es zu schneiden eine neue Platte in Paris, aber die Sessions verliefen so schlecht, dass Wakeman und Leadsänger Jon Anderson die Band schließlich verließen. Da kam ihr Manager auf die Idee, Trevor Horn und Geoff Downes von der New-Wave-Band The Buggles, die er auch leitete, einfach zu Yes zu vereinen. Sie haben die LP „Drama“ herausgeschnitten und versucht, auf Tour zu gehen, ohne großes Aufhebens um die ganze Sache zu machen: „Unser Sänger und Keyboarder sind nicht mehr in der Band, aber hier sind stattdessen die Jungs von ‚Video Killed the Radio Star‘“. „[Bassist] Chris [Squire] erzählte mir später, dass es ein Albtraum war“, sagte Wakeman. „Er sagte: ‚Wir gingen auf die Bühne und die Leute jubelten und sagten: ‚Hey, Steve!‘ Hey, Chris! Hey, Alan! Wer zur Hölle ist das?' Sie hatten diesen dicken, pummeligen Kerl an der Front, der sang, und Geoff Downes. Sie würden sagen: „Das ist nicht Jon!“ Das ist nicht Rick!' Chris sagte, es sei von Anfang bis Ende ein absoluter Albtraum gewesen.“ Die Gruppe löste sich auf, als die Tour endete. Als sie sich 1983 neu formierten, war Jon Anderson wieder an der Spitze.

Janet Jacksons Karriere erlitt 2004 einen schweren Schlag, als ihre rechte Brust bei der Halbzeitshow des Super Bowl vor einem weltweiten Publikum von unzähligen Millionen entblößt wurde. In der Folge wurde ihre Musik von Radiosendern auf die schwarze Liste gesetzt und ihre neue LP Damita Jo litt darunter. Es war der Beginn eines langen freien Falls für Jackson nach zwei Jahrzehnten völliger Pop-Dominanz. Das Problem ist, dass sie nicht diejenige war, die ihre Brust entblößt hat. Justin Timberlake tat das, als er ihr das Oberteil vom Leib riss. Seine wahren Absichten hinter diesem Schritt werden nie bekannt werden. Er sagt, er dachte, sie trage einen Bikini, während andere meinen, es sei eine Art Werbegag gewesen. Wie dem auch sei, seine Karriere verlief reibungslos weiter. Er wurde sogar wieder eingeladen, bei der Halbzeitshow des Super Bowl im Jahr 2018 aufzutreten. Janet wurde noch nie wieder eingeladen.

Wie der Ticketverkauf für Bruce Springsteen und Taylor Swift in diesem Jahr zeigte, stimmt etwas mit Ticketmaster nicht. Der Einsatz der dynamischen Preisgestaltung durch den Tickethändler führte dazu, dass Springsteen-Fans direkt vor ihren Augen sahen, wie sich die Preise vervierfachten, und das gesamte System brach einfach zusammen, als Swift – die sich von der dynamischen Preisgestaltung abgemeldet hatte – ihre Tour zum Verkauf anbot. Dies liegt zum Teil daran, dass Ticketmaster keine Möglichkeit gefunden hat, effektiv mit den Ticket-Bots umzugehen, die ihr Netzwerk blockieren und die besten Plätze beanspruchen. Sie haben sich den Scalpern auch in ihrem eigenen Spiel angeschlossen, indem sie Wiederverkäufern – die häufig Bots verwenden – erlauben, Sitzplätze auf der Ticketmaster-Plattform zu stark überhöhten Preisen anzubieten. Ticketmaster erhält natürlich bei jedem verkauften Ticket einen Rabatt. Das ganze System ist hoffnungslos kaputt. An diesem Punkt wären wir besser dran, ins Jahr 1985 zurückzukehren, als sich gerade alle bei Tower Records anstellten.

Im Jahr 1967 waren die Monkees so groß wie die Stones und die Beatles und alle anderen in der Popmusik. Sie hatten eine narrensichere Formel, bei der ihre TV-Show ihre Musik bewarb, und ihre Musik drehte sich um und bewarb die TV-Show. Es führte zu großen Hits wie „I'm a Believer“, „Daydream Believer“ und „Pleasant Valley Sunday“. Aber die TV-Show war cartoonhaft und richtete sich fast ausschließlich an Kinder. Als es 1968 an der Zeit war, einen Film zu drehen, taten sie sich mit dem bereits berühmten Jack Nicholson zusammen, waren unglaublich bekifft und erfanden den unfassbar psychedelischen Head. Alle vier Monkees sterben in der ersten Szene und von da an wird es nur noch seltsamer. Die Musik ist absolut großartig, vielleicht das Beste, was sie je gemacht haben, aber Kinder kauften Tickets in der Erwartung, so etwas wie die verrückte Fernsehsendung zu sehen – und Erwachsene blieben komplett fern. Es war ein absolutes Fiasko, das den Anfang vom Ende der Band markierte.

Prince war 1993 zu Recht mit seinem Label Warner Bros. Records frustriert. Er nahm Musik in rasender Geschwindigkeit auf, und das Unternehmen veröffentlichte sie einfach nicht. Er empfand auch den Vertrag, den er 1977 mit dem Label unterzeichnete, als unfair und machte ihn im Wesentlichen zu einem „Sklaven“. Er kam zu dem Schluss, dass der beste Weg, sich zu wehren, darin bestand, seinen Namen in ein unaussprechliches Symbol zu ändern, weil er glaubte, dadurch würde sein Vertrag irgendwie ungültig. Das ist nicht passiert. Warner Bros. schickte schließlich Tausende von Computer-CDs mit dem Symbol an Medienunternehmen, damit diese seinen neuen Namen drucken konnten. Sie bezeichneten ihn auch als „den Künstler, der früher als Prinz bekannt war“. Der ganze Schachzug verwirrte seine Fans und trug wenig dazu bei, dass seine Plattenverkäufe zurückgingen. Im Jahr 2000 änderte er seinen Namen.

Als Tricky Stewart 2007 „Umbrella“ mitschrieb, stellte er sich vor, dass Britney Spears es singen würde. Sie hatten 2003 an ihrem Madonna-Duett „Me Against the Music“ zusammengearbeitet. Aber Spears kämpfte mit vielen persönlichen Dämonen, als der Song an ihr Team geschickt wurde, und sie entschieden, dass es sich nicht lohnte, ihn aufzunehmen. „Umbrella“ landete schließlich bei Def Jam und einer jungen Künstlerin namens Rihanna. Es erreichte weltweit Platz 1 und machte die Sängerin zu einem der größten Stars ihrer Zeit. Wenn Britney „Umbrella“ aufgenommen hätte, hätten sich die letzten 15 Jahre der Popmusikgeschichte möglicherweise ganz anders entwickelt.

Auf Weezers Hit „Pork and Beans“ aus dem Jahr 2008 beklagt sich Rivers Cuomo über den Druck, dem alternde Musiker ausgesetzt sind, auf dem Laufenden zu bleiben. „Timbaland kennt den Weg, die Spitze der Charts zu erreichen“, sang er. „Vielleicht kann ich die Kunst perfektionieren, wenn ich mit ihm zusammenarbeite.“ Cuomo meinte es nicht ernst und hatte nicht wirklich die Absicht, mit Timbaland zusammenzuarbeiten, aber Chris Cornell hat es tatsächlich auf seiner Solo-LP Scream aus dem Jahr 2009 durchgezogen. Es schien eine Chance zu sein, sowohl Hip-Hop- als auch Neunziger-Jahre-Rock-Fans anzusprechen, aber es stellte sich heraus, dass keiner dieser Zuhörer auch nur das geringste Interesse daran hatte, dieses Ding zu hören. Das Album wurde von Kritikern brutal kritisiert, die Singles wurden alle bombardiert, und innerhalb von zwei Jahren tat sich Cornell wieder mit Soundgarden zusammen und tat so, als wäre das Ganze nie passiert.

Als Roger Waters sich 1985 von Pink Floyd trennte, dachte er, er würde die Band für immer ruinieren. Schließlich war er ihr wichtigster Songwriter und ihre kreative Kraft, seit Syd Barrett die Band 1968 verlassen hatte. Er ging davon aus, dass sie einfach ihre Geschäfte aufgeben würden und alle ihre Fans ihm in seine Solokarriere folgen würden. Was er nicht wusste, war, dass Pink Floyd eine wesentlich bekanntere „Marke“ war als Roger Waters und dass die verbleibenden Mitglieder der Band weiterhin Stadien füllen und mit Hilfe externer Autoren sogar neue Hits schreiben konnten. Als beide 1987 auf Tour gingen, sah sich Waters auf vielen Märkten mit einem Meer leerer Sitze konfrontiert, während Floyd mehrere Abende in Fußballstadien spielte. Es machte ihn völlig wahnsinnig. „Wenn einer von uns Pink Floyd heißen würde, dann ich“, knurrte er 1987 gegenüber dem Rolling Stone. „Das ist mein Schwein da oben. Das ist der Absturz meines Flugzeugs … es ist ihr Trockeneis.“ Es sollte mehr als ein weiteres Jahrzehnt dauern, bis Waters überhaupt eine weitere Tournee wagte, und zu diesem Zeitpunkt waren Pink Floyd keine existenzielle Angelegenheit mehr. Erst dann konnte er sich endlich als Arena-Headliner etablieren.

Die selbstbetitelte Debüt-LP der Stones Roses aus dem Jahr 1989 ist ein makelloses Meisterwerk und bereitete die Bühne für die gesamte Brit-Pop-Bewegung der Neunziger. Songs wie „I Wanna Be Adored“, „Fools Gold“ und „I Am the Resurrection“ sind eine perfekte Mischung aus Tanz, Rock und Psychedelia, die in den letzten drei Jahrzehnten keinen Tag gealtert ist. Diese Songs überzeugten England und hätten über den Atlantik nach Amerika gelangen können, wenn sie sich ein wenig Mühe gegeben und die US-Clubszene bearbeitet hätten. Das ist jedoch nicht passiert. Stattdessen geriet die Band in einen massiven Rechtsstreit mit ihrem Label, begann sich intern zu streiten und brauchte fünf endlose Jahre, um ihr zweites Album, „The Second Coming“ aus dem Jahr 1994, aufzunehmen. Wie der Titel schon sagt, fühlten sie sich zu diesem Zeitpunkt als Jesus. Die Öffentlichkeit war anderer Meinung. Sie waren bereits zu Oasis und Blur übergegangen. Die Stone Roses lösten sich 1996 auf und kamen erst 2011 wieder zusammen.

Als David Geffen Anfang der Achtziger einen Plattenvertrag mit Neil Young unterzeichnete, ging er davon aus, dass er in absehbarer Zukunft weiterhin Publikumslieblinge wie „Rust Never Sleeps“ und „Comes a Time“ herausbringen würde. Doch dies war eine ganz neue musikalische Ära, und Young war von den Bedürfnissen seines kleinen Sohnes Ben abgelenkt, der mit Zerebralparese geboren wurde. Er begann, Lieder mit einem Vocoder aufzunehmen, der den Klang seiner eigenen Stimme verzerrte, um zu vermitteln, wie es ist, mit einem geliebten Menschen zu kommunizieren, der keine Sprache verstehen kann. Das Ergebnis war „Trans“, eine experimentelle LP, die mehr mit Kraftwerk gemeinsam hatte als alles, was Young bis zu diesem Zeitpunkt seiner Karriere gemacht hatte. Es verkaufte sich sehr schlecht, aber Young ließ sich nicht beirren und veröffentlichte weiterhin Genre-Alben wie das Rockabilly-inspirierte Everybody's Rockin' und die Country-Sammlung Old Ways. Dies erzürnte Geffen so sehr, dass er tatsächlich eine Klage gegen Young einreichte, weil er „nicht repräsentative“ Musik machte. Es kam zu einem lächerlichen Rechtsstreit, den Geffen später als abscheulichen Fehler einräumte. Wenn Sie Neil Young verpflichten, müssen Sie ihn einfach Neil Young sein lassen.

Auf dem Höhepunkt der Hair-Metal-Bewegung erhob sich Jane’s Addiction aus der Clubszene von Los Angeles und gab den Fans Hoffnung, dass Rock & Roll mehr sagen könnte als „Talk Dirty To Me“. Ihr Erfolg ermöglichte es Gruppen wie Nirvana, Pearl Jam und Soundgarden, auf die nationale Bühne vorzudringen, und sie gründeten das ursprüngliche Lollapalooza, um diesen Bands eine noch größere Plattform zu bieten. Aber nachdem sie nur zwei richtige Alben aufgenommen hatten, gab die Gruppe genau in dem Moment auf, als Alternative-Rock begann, richtig Geld zu verdienen. „Ich habe darüber nachgedacht, warum genau ich so etwas tun würde“, sagte Frontmann Perry Farrell dieses Jahr dem Rolling Stone. „Wenn ich jetzt zurückblicke, kommt es mir wie einer der dümmsten Schritte vor, die ich jemals in meinem Leben gemacht habe. Wir waren ganz oben auf der Welt.“ Die Band kam 1997 wieder zusammen, erlangte jedoch nie wieder den Schwung, den sie durch die ursprüngliche Trennung verloren hatten.

Für einen kurzen Moment im Jahr 2013 war Robin Thicke ganz oben auf der Welt. Nachdem er ein Jahrzehnt lang R&B-angehauchte Stücke kreiert hatte, die nie mehr als ein Kultpublikum fanden, landete er mit „Blurred Lines“ endlich einen echten Monsterhit, dank eines gewagten Videos mit Emily Ratajkowski, Elle Evans und Jessi M'Bengue. Es kam jedoch schnell zu einer heftigen Gegenreaktion, da das Lied darauf hinzuweisen schien, dass es „verschwommene Grenzen“ zwischen einvernehmlichen und nicht einvernehmlichen sexuellen Begegnungen gebe. Es war auch Gegenstand einer Klage der Marvin Gaye-Nachlass, die der Meinung war, dass es sich um eine Kopie von Gayes Lied „Got to Give It Up“ aus dem Jahr 1977 handelte. Währenddessen nahm Thicke Drogen und betrog seine Frau Paula Patton. Als sie 2014 die Scheidung einreichte, versuchte er, sie zurückzugewinnen, indem er sein nächstes Album Paula nannte und Song für Song über seine unsterbliche Hingabe an sie schrieb. Es ist von Anfang bis Ende ein Schauerfest, das von den Kritikern vernichtet und von den Fans ignoriert wurde. Es hat auch nicht funktioniert. Die Scheidung wurde 2015 vollzogen. Seitdem Paula kam und ging, hatte er nichts, was auch nur einem Hit ähnelte, und jetzt ist er Richter bei The Masked Singer.

Zu Beginn der Achtzigerjahre hatten Kiss es satt, als Band für Kinder oder verkümmerte Erwachsene gesehen zu werden. Mit ihrem Disco-Song „I Was Made For Lovin‘ You“ hatten sie in den letzten Jahren großen Erfolg, es gab aber auch epische Flops wie ihr Fernsehfilm Kiss Meets the Phantom of the Park und die vier Soloalben, die sie auf der veröffentlichten am selben Tag im Jahr 1978. Bob Ezrin, der Produzent ihrer beliebtesten Alben, hatte Pink Floyd gerade dabei geholfen, „The Wall“ zu erschaffen, und sie beschlossen, ihn wieder mit ins Boot zu holen, um etwas ebenso Ehrgeiziges zu schaffen. Das Ergebnis war Music From the Elder, eine unzusammenhängende, verwirrte Konzeptplatte, die dem Kiss-Sound einen Chor und ein Orchester hinzufügt, mit vorhersehbar schrecklichen Folgen. In der Handlung geht es um einen Charakter namens The Boy, der sich mit einem weisen Guru namens Morpheus zusammenschließt, um an einem unbestimmten Zeitpunkt in der Zukunft gegen eine zwielichtige Gruppe von Schurken zu kämpfen. (Das hört sich vielleicht wie „The Matrix“ an, aber vertrauen Sie uns, wenn wir sagen, dass das diesem Ding viel zu viel Anerkennung zollen würde.) Es ist so erstaunlich schlecht, dass die Gruppe nicht einmal danach getourt ist und alle Pläne, eine weitere Seite herauszubringen, aufgegeben hat des Pink-Floyd-Playbooks, indem er einen Film drehte, der daran anknüpfte. „Das war das einzige Mal, dass ich sagen würde, dass Kiss den Kritikern nachgegeben hat“, sagte Gene Simmons viele Jahre später. „Wir wollten einen kritischen Erfolg. Und wir haben den Verstand verloren.“

Das selbstbetitelte Debüt der New York Dolls aus dem Jahr 1973 bereitete nicht nur die Bühne für die gesamte darauf folgende Punkrock-Revolution, es war auch ein Street-Glamour-Meisterwerk, das mit zunehmendem Alter immer besser wird. Insgesamt gibt es kein schwaches Lied. Damals war es jedoch eine riesige kommerzielle Enttäuschung, die ihren Höhepunkt auf Platz 116 erreichte. In einem radikalen Versuch, ihr Image zu verbessern und Aufmerksamkeit zu erregen, nachdem ihr Nachfolger von 1974 noch schlechter abschnitt, engagierten sie Malcolm McLaren und stimmten seinem verrückten Plan zu sich in rotes Leder zu kleiden und vor der roten Fahne zu spielen, die mit Hammer und Sichel geschmückt ist. Die Provokation sollte die Aufmerksamkeit der Presse erregen, wurde aber meist einfach ignoriert. Die Gruppe löste sich Monate später auf. Nicht lange danach versammelte McLaren die Sex Pistols und bewies, dass es ein viel sichererer Weg war, die Charts zu erobern, wenn man seine Musik auf dem französischen Situationismus und nicht auf dem Kommunismus basierte.

Phil Spector produzierte einige der besten Songs der frühen Sechziger und feierte Anfang der Siebziger ein großes Comeback, als die Beatles ihn baten, ihr Let It Be-Projekt zu retten. Dies führte zur Arbeit an John Lennons Imagine und Geroge Harrisons All Things Must Pass. Man kann es Leonard Cohen nicht verübeln, dass er Spector gebeten hat, seine 1977er LP „Death of a Ladies Man“ zu produzieren. Cohen war ein Jahrzehnt in seiner Karriere und hatte noch nie erlebt, dass ein Album über Platz 63 der Billboard-Album-Charts kletterte. Warum nicht den angesehensten Produzenten der Rockgeschichte ausprobieren? Was er nicht bemerkte, war, dass sich Spectors Geisteszustand auf ein beängstigendes Maß verschlechtert hatte und er zu einem paranoiden, flüchtigen und bewaffneten Wahnsinnigen geworden war. „Im Studio lagen viele Waffen und viel Alkohol“, sagte Cohen 2001, „eine etwas gefährliche Atmosphäre.“ Es gelang ihnen, ein paar wirklich großartige Songs wie „Memories“ und „True Love Leaves No Traces“ aufzunehmen, aber Spector machte sich irgendwann mit den Bändern davon und stellte das Album einfach alleine fertig, wobei er grobe Vocals verwendete, die Cohen zu einem späteren Zeitpunkt perfektionieren wollte späteren Zeitpunkt. Das Ergebnis ist ein sehr kompromittiertes Album, das weder Cohen noch seine Fans zufriedenstellte. Es hat nicht einmal das Billboard 200 beschädigt.

Wenn Rockhistoriker auf das Jahr 1992 zurückblicken, konzentrieren sie sich oft auf den Aufstieg von Grunge-Bands wie Pearl Jam und Nirvana. Aber wenn Sie tatsächlich mit einer Zeitmaschine in das Jahr zurückreisen und MTV oder das Radio einschalten würden, würden Sie mit den Spin Doctors bombardiert. Ihre Singles „Two Princes“, „Little Miss Can’t Be Wrong“ und „Jimmy Olsen’s Blues“ waren in diesem Jahr unausweichlich. Sie stammen alle von der Debüt-LP der Gruppe, Pocket Full of Kryptonite. Es schien der Beginn einer sehr langen und vielversprechenden Karriere zu sein. Doch als es an der Zeit war, 1994 ihre Nachfolge-LP „Turn It Upside Down“ herauszubringen, legten sie mit der Single „Cleopatra’s Cat“ den Anfang. Der Song hatte einen schlaffen, leblosen Jazz-Funk-Groove und es fehlte alles, was einer einprägsamen Hookline ähnelte. Aber das war erst der Anfang. Sänger Chris Barron verstreute seinen Gesang im wahrsten Sinne des Wortes, der voller Anspielungen auf Mark Antony, Brutus und Centurions war, die dem jugendlichen Publikum der Doctors völlig über den Kopf gingen; MTV hat das Video innerhalb von ein oder zwei Tagen eingestellt. „Es war der falsche Schritt“, twitterte Barron im Jahr 2022. „Ich war damals beunruhigt darüber. Unser Management dachte, es würde eine Art langsamer Prozess sein und wir würden mehr aus der Platte herausholen.“ Gutes Management!

Als Axl Rose Mitte der Neunzigerjahre jedes einzelne Mitglied von Guns N‘ Roses losließ, hatte er nur ein kurzes Zeitfenster, um zu beweisen, dass die Gruppe als kreative Einheit und nicht nur als abgeschwächte Oldies-Band weiter vorankommen konnte. Wenn sie ein weiteres Album produziert hätten, das auch nur annähernd die Qualität von Appetite for Destruction oder sogar Use Your Illusion I und II hätte, wären die Hasser zum Schweigen gebracht worden und sie hätten weitermarschieren können. Stattdessen haben Axl und eine wechselnde Crew neuer Kanoniere fast 15 Jahre lang bei Chinese Democracy gearbeitet und dabei unzählige Millionen Dollar und eine unkalkulierbare Menge an Fan-Goodwill verbrannt. Das Label der Band, Geffen, bot Rose sogar einen Millionenbonus an, um es bis 1999 fertigzustellen, eine Frist, die er um neun Jahre verkürzte. Als es 2008 endlich herauskam, achteten nur wenige Fans noch darauf. Ein wenig Geduld ist eine Sache. Fast 20 Jahre sind etwas anderes.

Van Halen kämpfte bereits Mitte der Neunziger mit der Schwerkraft, nachdem ihre LP „Balance“ kommerziell enttäuschend war und MTV praktisch alle Bands ihrer Ära eingefroren hatte. Der beste Weg nach vorn bestand zu diesem Zeitpunkt darin, entweder wieder mit David Lee Roth auf Tour zu gehen oder mit Sammy Hagar ins Studio zu gehen und ein weiteres Killeralbum aufzunehmen. Sie entscheiden sich für Option C: Entlassen Sie Sammy Hagar, kündigen Sie ein Wiedersehen mit Roth bei den MTV Video Music Awards an und holen Sie sich dann den ehemaligen Extreme-Sänger Gary Cherone als Frontmann der Band für ein enttäuschendes Album und eine Tour. „Es war ein schlechter Zeitpunkt für diesen Schritt“, sagte Hagar Anfang des Jahres dem Rolling Stone. „Das war der größte Fehler, den die Band jemals gemacht hat.“

Elvis Presley hat eine Handvoll anständiger Filme gedreht, vor allem Viva Las Vegas, King Creole, Blue Hawaii und Jailhouse Rock. Aber die überwiegende Mehrheit von ihnen ist reiner Schlock wie Harum Scarum und Clambake – und er hat keinen einzigen geschaffen, der Generationen überdauert hat. Das hätte anders sein können, wenn Elvis 1976 an der Seite von Barbra Streisand im Remake von „A Star Is Born“ aufgetreten wäre. Presley war Streisands erste Wahl für die Rolle und sie trafen sich persönlich, um darüber zu sprechen. Aber Colonel Tom Parker bestand darauf, dass Elvis eine Top-Abrechnung und ein exorbitantes Gehalt erhielt. Parker hasste das Drehbuch auch, da es seinen Charakter als heruntergekommen darstellte. Das war für die Produzenten mit größerem Aufwand verbunden, und sie haben stattdessen Kris Kristofferson besetzt. Ein gefeierter Film hätte für Elvis ein wichtiges Comeback sein können und ihm in einer sehr schwierigen Zeit dabei geholfen haben, den richtigen Weg für sein Leben zu finden. Leider ist das nicht passiert.

Woodstock ist das berühmteste Festival der Rockgeschichte und Bands wie The Who, Santana, CSNY und Joe Cocker profitierten enorm von ihrer Verbindung damit. Alle diese Darsteller unterzeichneten den Vertrag für den Auftritt im Woodstock-Film, der von einem weitaus größeren Publikum gesehen wurde als den Hippies, die nach Bethel Woods, New York, schleppten. Die „Mississippi Queen“-Rocker Mountain waren jedoch nicht damit einverstanden, in dem Film mitzuwirken, obwohl sie am zweiten Tag des Festivals ein explosives Set spielten, eingeklemmt zwischen Canned Heat und The Grateful Dead. „Ich weiß nicht, was damals mit meinem Manager passiert ist, er hat wahrscheinlich nicht genug Geld bekommen“, sagte Mountain-Frontmann Leslie West im Jahr 2015. „Wer weiß?“ Und wer weiß, was Mountain in den Siebzigern und darüber hinaus hätte passieren können, wenn sie im Film mitgewirkt hätten.

Es ist leicht zu verstehen, warum Warner Bros. der Meinung war, dass REM 80 Millionen Dollar verdient hätte 1996 unterzeichneten sie einen Plattenvertrag, der sie dazu aufforderte, fünf weitere Alben für das Label aufzunehmen. Sie brachten eine unglaublich erfolgreiche Reihe von Alben heraus, die Hits wie „Losing My Religion“, „Everybody Hurts“ und „Man on the Moon“ enthielten, und waren in den letzten 15 Jahren eine der am meisten von der Kritik gefeierten Bands der Welt Jahre. Dies war der Höhepunkt großer Geldgeschäfte für Ikonen wie Janet Jackson und Metallica, und Labels schossen dank der 20-Dollar-CDs in die Gewinnzone. Doch Warner Bros. wusste nicht, dass Gründungsschlagzeuger Bill Berry im Begriff war, die Band zu verlassen. Das Unternehmen wusste nicht, dass ihre 1998er LP Up ein kommerzieller Blindgänger sein würde und dass die nächsten Alben noch schlechter abschneiden würden. Sie wussten nicht, dass Napster innerhalb weniger Jahre einschlagen und ihr CD-basiertes Geschäftsmodell völlig zerstören würde. Sie dachten, dass das Jahr 1996 ewig dauern würde, und es kostete sie ein Vermögen. Mehr als 25 Jahre später gilt dies für viele immer noch als der schlechteste Plattenvertrag aller Zeiten.

Dee Dee Ramone ist ein ausgezeichneter Bassist, Texter und Songwriter. Aber er ist ein sehr, sehr schlechter Rapper. Schauen Sie sich als Beweis seine Single „Funky Man“ aus dem Jahr 1987 an, die lyrische Juwelen enthält wie „I play the bass in a punk rock band/Been to all the world/Even to Japan/And Nothing can Surprise Me Man/I’ve seen.“ alles/Ich hatte Spaß/Jemand sollte eine Dee-Dee-Puppe machen. Seine Ramones-Bandkollegen waren beschämt, als er begann, in vollem Hip-Hop-Ornat zu Shows zu erscheinen, und noch weniger ermutigend, als er 1989 beschloss, ein ganzes Rap-Album unter dem Namen Dee Dee King aufzunehmen. Im selben Jahr verließ er die Ramones. Nachdem das Album bei kommerziellen und kritischen Kritiken im Minenschacht landete, kehrte er zum Punkrock zurück.

MC Hammer war der kommerziell erfolgreichste Rapper der frühen Neunziger, aber die Szene änderte sich schnell, als Dr datiert. Hammer reagierte, indem er den MC aus seinem Namen strich und mit seinem 1994 erschienenen Album The Funky Headhunter seine eigene Version von G-Funk ausprobierte. Das Video zur Lead-Single „Pumps and a Bump“ zeigte Hammer in einem beunruhigend engen Tacho, umgeben von Frauen in winzigen Bikinis. Es war so anzüglich, dass MTV sich weigerte, es in großer Rotation zu veröffentlichen, und das Album verkaufte sich nur einen Bruchteil seiner vorherigen Platten. Hätte Amerika Hammer als Gangster akzeptiert? Wahrscheinlich nicht. Aber Hammer als Gangsta im Tacho war definitiv eine Brücke zu weit.

Der Beginn der Alternative-Rock-Revolution in den frühen Neunzigern war für die meisten Hair-Metal-Bands der Achtziger im Grunde ein Todesurteil, aber es hätte ein Szenario geben können, in dem Mötley Crüe irgendwie überlebt hätte. Sie waren die größte Band dieser Szene, Nikki Sixx war (und ist technisch gesehen immer noch) eine sehr begabte Songwriterin und ihre LP von 1989, Dr. Feelgood, war ihre bisher beliebteste Veröffentlichung. Wenn sie zusammengehalten, hart gearbeitet und auf der Dynamik von Dr. Feelgood aufgebaut hätten, wäre es nicht undenkbar gewesen, neben Nirvana durchzuhalten. Stattdessen entließen sie Frontmann Vince Neil, engagierten als Ersatz den Sängergesellen John Corabi und beschlossen, ein Alternative-Rock-Album zu machen. Dieser Prozess dauerte sehr lange fünf Jahre, und als sie 1994 mit einer selbstbetitelten LP wieder auftauchten, war Grunge bereits am Aussterben begriffen. Sie schienen Besucher aus einem anderen Zeitalter zu sein, und ihre Tour zur Unterstützung des Albums wurde vor einem Ozean voller leerer Plätze gespielt. Drei Jahre später kamen sie wieder mit Vince Neil zusammen und versuchten, voranzukommen, aber bis dahin war die Zahl der Menschen, denen das egal war, noch größer geworden.

Scooter Braun hatte keine Ahnung, mit wem er sich im Jahr 2019 anlegte, als er die Big Machine Label Group kaufte, zu der auch Taylor Swifts Masteraufnahmen gehörten. Der Musikmanager hinter Justin Bieber, Ariana Grande und Usher dachte vielleicht, er könne sich einfach die Master abschnappen und sie für Geld auspressen, aber er rechnete nicht damit, dass Swift ihre Wut über die Situation an die Öffentlichkeit bringen würde – und alles von ihr neu aufnehmen würde alte Alben, damit sie die neuen „Taylor's Version“-Master besitzt. Außerdem wurde er über Nacht zum Staatsfeind Nummer eins der Swiftie-Armee. „Ich bereue und es macht mich traurig, dass Taylor so auf den Deal reagiert hat“, sagte er 2021. „Ich weiß nicht, welche Geschichte ihr erzählt wurde. Ich habe sie mehrmals gebeten, sich zu mir zu setzen, aber sie lehnte ab.“ ." Swift sagt, dass nichts davon wahr ist, aber zum jetzigen Zeitpunkt spielt es keine Rolle. Brauns Ruf war noch nie schlechter.

Im August 1995 betrat Suge Knight die Bühne der Source Awards, um zusammen mit Danny Boy den Preis für den Film-Soundtrack des Jahres für ihre Arbeit am Soundtrack zu Above the Rim entgegenzunehmen. „Jeder Künstler da draußen, der ein Künstler sein oder ein Star bleiben möchte – und sich keine Sorgen darüber machen möchte, dass ein ausführender Produzent versucht, alle Videos, alle auf den Platten zu sein und zu tanzen – kommt in den Todestrakt.“ Dies war ein direkter Angriff auf Puff Daddy für seine Arbeit mit Notorious BIG. Es war auch der Beginn des Rap-Krieges zwischen Ostküste und Westküste, der nach Ansicht einiger Leute indirekt zum Tod von Tupac Shakur und Biggie geführt hat, indem er die Spannungen zwischen den beiden Lagern angeheizt hat . Knight hat in seinem Leben viele schlimmere Dinge getan als diesen kurzen Moment auf der Bühne, aber keines hatte so tragisch schreckliche Konsequenzen.

Das Monterey Pop Festival wurde konzipiert, um aufregende neue Acts wie The Who, The Jimi Hendrix Experience, Grateful Dead, The Mamas & the Papas und Big Brother and the Holding Company zu präsentieren. Brian Wilson war Vorstandsmitglied des Festivals und die Beach Boys waren für den zweiten Abend gebucht. Es schien sehr sinnvoll zu sein, da sie die typische kalifornische Band waren und „Good Vibrations“ erst im Jahr zuvor erschienen war. Aber sie befanden sich mitten in einer sehr schwierigen Zeit, da sich Brians Geisteszustand verschlechterte, sein ehrgeiziges Smile-Projekt Anfang des Jahres nicht abgeschlossen werden konnte und Carl Wilson mit der US-Regierung über den Vietnamkriegsentwurf stritt. Sie haben im Laufe der Jahre viele Ausreden vorgebracht, warum sie sich in letzter Minute aus Monterey Pop zurückgezogen haben, aber die Angst, dass sie neben den angesagten neuen Bands lahm aussehen würden, war sicherlich ein großer Teil davon. Im Nachhinein war diese Entscheidung ein wichtiger Wendepunkt in ihrer Karriere. Sie machten später jede Menge großartige Musik, gehörten aber nie wieder wirklich zum Rock-Mainstream.

Kokain ist eine verdammt gute Droge. Das weiße Pulver ist für viele Fehlentscheidungen in der Rockgeschichte verantwortlich und führte zu epischen Katastrophen wie der Oasis-LP „Be Here Now“ von 1997 und einem Großteil der 80er-Jahre-Produktion von Elton John. David Bowie gedieh irgendwie von der Droge, und sie war der Antrieb für sein Meisterwerk Station to Station aus dem Jahr 1976. Aber es belastete seine geistige Gesundheit enorm, da er tagelang wach blieb. Sein einzigartiger Schlafrhythmus könnte ein Grund dafür gewesen sein, dass er dieses berüchtigte Juwel 1976 einem Playboy-Interviewer anbot. „Ich glaube fest an den Faschismus“, sagte er. „Adolf Hitler war einer der ersten Rockstars.“ Ungefähr zu dieser Zeit wurde er auch dabei fotografiert, wie er auf der Londoner Victoria Station etwas zeigte, das wie ein Hitlergruß aussah. Bowie hat dies natürlich bestritten, und es sieht so aus, als wäre „Salutegate“ lediglich ein unglücklich getimtes Foto einer Welle an die Fans gewesen, aber insgesamt hat es eine sehr toxische Pressewirkung hervorgerufen. Hier sind einige Lektionen: Konsumieren Sie kein Kokain, dozieren Sie nicht öffentlich über die Herrlichkeit des Faschismus und winken Sie den Fans nicht auf eine Weise zu, die wie ein „Heil-Hitler“-Gruß aussieht. Es sieht einfach nie gut aus.

1978 gab es auf dem Planeten keine größeren Musik-Acts als die Bee Gees und Peter Frampton. Ihre neuesten Alben, Frampton Comes Alive! und der Soundtrack zu „Saturday Night Fever“, verkauften sich insgesamt 10 Millionen Mal und machten sie zu Superstars von Stadionformat. Für ihren nächsten Auftritt beschlossen sie, sich für die Jukebox-Musical-Monstrosität Sgt. zusammenzutun. Pepper's Lonely Hearts Club Band, neben Steve Martin, George Burns, Alice Cooper, Aerosmith, Donald Pleasence und Sandy Farina. Unter der Regie von Michael Schultz verwandelt es die Musik der Beatles in einen psychedelischen Fiebertraum, gemischt mit einer Varieté-Show im Stil der Siebzigerjahre von Donny & Marie. „Heutzutage kennen die Kinder Sgt. Pepper von den Beatles nicht“, sagte Robin Gibb damals. „Wenn unseres herauskommt, wird es praktisch so sein, als ob es ihres nie gegeben hätte.“ Ähm, nein. Tatsächlich war es bis dahin einer der größten Flops in der Filmgeschichte, und die Bee Gees und Frampton wurden durch sein Scheitern schwer beeinträchtigt.

Metallica hatte nicht Unrecht, in Napster eine existenzielle Bedrohung für die bis zu diesem Zeitpunkt bestehende Plattenindustrie zu sehen. Sie waren nicht zu Unrecht entsetzt darüber, dass ihr Song „I Disappear“ aus dem Jahr 2000 auf die Filesharing-Plattform gelangte, bevor sie bereit waren, ihn zu veröffentlichen. Sie waren nicht zu Unrecht darüber verärgert, dass die Fans ihren gesamten Katalog kostenlos zur Verfügung stellten. Sie hatten nicht einmal Unrecht, Napster zu verklagen. Doch in den Augen vieler Fans haben sie eine gewaltige Grenze überschritten, als sie die Namen von über 30.000 Metallica-Fans an Napster übermittelten und darum baten, sie von dem Dienst zu sperren. Die Gegenreaktion war nahezu allgegenwärtig und verfolgte sie jahrelang. „Vielleicht nicht der klügste PR-Schachzug aller Zeiten, aber zumindest haben wir den Streit gewonnen“, sagte Metallica-Schlagzeuger Lars Ulrich Jahre später. „Hören Sie, wie man so schön sagt, mit einem Vierteldollar komme ich in den Bus, aber damals schien es eine wirklich gute Idee zu sein.“

Ashlee Simpsons Karriere explodierte, als sie im Oktober 2004 für eine Folge von Saturday Night Live als musikalischer Gast an der Seite von Moderator Jude Law gebucht wurde. Ihren Kickoff-Song „Pieces of Me“ lieferte sie ohne Probleme ab, aber als sie für „Autobiography“ zurückkam, begannen bereits aufgenommene Gesangstitel von „Pieces of Me“ zu spielen. Ein beschämter Simpson machte kurz eine kleine Aufführung, bevor er von der Bühne rannte, während die Show auf Werbespots eingestellt wurde. Der Moment verbreitete sich so viral wie möglich in jenen primitiven Tagen der sozialen Medien, und alle gingen davon aus, dass Simpson ein Milli-Vanilli-ähnlicher Betrüger war. Simpson hat eine Reihe von Erklärungen dafür geliefert, warum sie sich für die Verwendung einer Gesangsspur entschieden hat, darunter auch Säurereflux. Die Welt hätte es nie erfahren, wenn SNL beim richtigen Song auf „Play“ gedrückt hätte, aber dieser verhängnisvolle Fehler behinderte ihre Karriere auf eine Weise, die bis heute nachwirkt.

Im Februar 1966 sprach John Lennon mit Maureen Cleave, einer Reporterin der Londoner Zeitung The Evening Standard, als er begann, über Religion zu dozieren. „Das Christentum wird verschwinden“, sagte er. „Es wird verschwinden und schrumpfen. Darüber brauche ich nicht zu streiten; ich habe recht und ich werde Recht behalten. Wir sind jetzt beliebter als Jesus; ich weiß nicht, was zuerst kommen wird – Rock & Roll oder Christentum." In England lösten die Kommentare keine große Aufregung aus, doch in Amerika sah es nach der Überquerung des Atlantiks ganz anders aus. Radiosender im ganzen Süden verboten die Musik der Beatles, und es gab sogar eine Veranstaltung in Waycross, Georgia, bei der Beatles-Platten in einem Lagerfeuer verbrannt wurden. Als die Fab Four einige Monate später nach Amerika kamen, sahen sie sich außerhalb einiger Shows mit massiven Protesten und auf einigen Märkten mit leeren Plätzen konfrontiert. Es war eine miserable Zeit für die gesamte Band und sie gingen nie wieder auf Tour.

Country-Megastar Garth Brooks befand sich 1999 auf dem Höhepunkt seines Ruhms, als er beschloss, seine Fans völlig zu verwirren, indem er in die Rolle des fiktiven australischen Rockstars Chris Gaines schlüpfte und eine Scheinfolge von „Behind the Music, a Don“ drehte Es wurde eine LP mit neuen Songs, einem schrecklichen Perücken- und Soul-Patch und sogar dem Versprechen eines Gaines-Biopics produziert. Brooks moderierte Saturday Night Live als er selbst, mit Gaines als musikalischem Gast, was nur bedeutete, dass er während der Werbepause eine Perücke aufsetzte. Der bizarre Schritt war für Brooks eine scheinbar clevere Möglichkeit, mit neuen Klängen zu experimentieren, und die Single „Lost in You“ war tatsächlich ein kleiner Hit, aber das Album verkaufte sich nur einen Bruchteil seiner vorherigen und das Biopic kam nie zustande. Country-Fans lieben Country-Musik wirklich sehr, und sie verehren Garth Brooks. Auf Chris Gaines hingegen könnten sie verzichten. Brooks kehrte 2001 mit „Scarecrow“ zu seinem klassischen Sound zurück, schaffte es jedoch nie ganz, den Karriereschwung zurückzugewinnen, den er vor Gaines hatte.

Die meisten Rockbands wären begeistert gewesen, John Fogerty als Mitglied zu haben. Er ist nicht nur ein herausragender Sänger und Gitarrist, sondern auch ein einzigartig brillanter Songwriter, zu dessen klassischen Hits aus den Sechzigern „Proud Mary“, „Fortunate Son“, „Bad Moon Rising“ und „Who'll Stop the Rain“ gehören. Aber seine Bandkollegen Doug Clifford, Stu Cook und Tom Fogerty ärgerten sich über die Aufmerksamkeit, die er erregte, und dass die meisten Leute sie als bloße Supportmusiker betrachteten. Die Spannungen veranlassten Tom Fogerty 1971, aufzuhören, und im nächsten Jahr stimmte John einem demokratischen Album zu, auf dem Clifford und Cook ihre eigenen Lieder schreiben und singen durften. Das Ergebnis war das katastrophale Mardi Gras, das Rolling-Stone-Autor Jon Landau als „das schlechteste Album, das ich je von einer großen Rockband gehört habe“ beschrieb. Es beweist, dass Demokratie zwar eine großartige Regierungsform ist, aber nicht immer die beste für Bands. Die Gruppe trennte sich kurz nach der Veröffentlichung von Mardi Gras.

Steven Van Zandts Freundschaft mit Bruce Springsteen reicht bis in ihre Teenagerjahre Mitte der sechziger Jahre zurück und in den frühen siebziger Jahren spielten sie in zahlreichen Bands zusammen. Van Zandt trat der E Street Band bei, kurz nachdem „Born to Run“ 1975 aufgenommen wurde, und die folgenden Jahre waren von vielen Tourneen und wenig Geld geprägt. Das echte Geld kam erst, als „Born in the USA“ der Band endlich den Pop-Erfolg bescherte, der sie in die Stadien befördern konnte, doch Van Zandt gab vor der Veröffentlichung auf, um sich ganz seiner Solokarriere zu widmen. „Es ist der entscheidende Moment meines Lebens“, sagte Van Zandt dem Rolling Stone im Jahr 2020. „Es war ein Fehler, von dem ich mich nie erholt habe. Finanziell war es apokalyptisch. Allerdings haben wir dem Leben des Südens Jahre gekostet.“ Afrikanische Regierung [Van Zandt gründete 1985 Artists United Against Apartheid]. Aber lohnt es sich, alle meine Freunde, meine gesamte Machtbasis, meinen gesamten Saft, mein gesamtes Promi-Kapital zu verlieren, um ein paar Leben zu retten? Und das müssen Sie Sagen Sie: „Ja, sicher. Das war es.“ Aber ich schaue zurück und denke: „Meine Güte, wenn ich nur diese Dinge hätte tun und bleiben können.“ Ich hätte das perfekte Leben gehabt.

Die Anfänge von MTV waren eine gefährliche Zeit. Acts drehten mit knappem Budget innerhalb weniger Stunden Videos, ohne zu ahnen, dass sie unauslöschliche Bilder schufen, die sie für immer prägen würden. Ein großartiges Video wie „Rio“ von Duran Duran könnte eine Gruppe erheben und für immer cool machen, aber dann ist da noch der Fall von „Rock Me Tonite“ von Billy Squier. Das vom Choreografen Kenny Ortega inszenierte Video zeigt Squier, wie er in einem rosa Tanktop durch ein pastellfarbenes Schlafzimmer tänzelt. „Als ich das Video sah, fiel mir die Kinnlade herunter“, sagte Squier. „Es war teuflisch. Ich schaute es mir an und fragte: „Was zum Teufel ist das?“ Die ganze Sache ist schrecklich peinlich und hat junge Fans im ganzen Land abgeschreckt. Es hat seine Karriere praktisch ruiniert und war ein sehr schmerzhaftes Thema für ihn mehrere Jahre, aber er hat sich endlich damit abgefunden. „Die Wunden sind verheilt und die Narben sind nicht mehr so ​​tief, weil sich mein Leben gut entwickelt hat.“ Mit dreiundvierzig Jahren verließ ich das Musikgeschäft. Ich muss nicht arbeiten. Schauen Sie, wer jetzt lächelt! Dieses Video ist ein schlechter Teil eines guten Lebens.

U2 bewegte sich im Laufe nur weniger Jahre von Clubs über Arenen bis hin zu Stadien, indem es große Maßstäbe anlegte. Diese Mentalität hat ihnen in den Achtzigern, Neunzigern und frühen 2000ern recht gute Dienste geleistet, aber 2014 gingen sie etwas zu weit, als sie einen Vertrag mit Apple abschlossen, bei dem ihr Album Songs of Innocence für jedermann kostenlos erhältlich sein würde Die persönlichen Geräte eines einzelnen Apple-Benutzers. Wir sprechen hier von einem nicht unerheblichen Prozentsatz des Planeten Erde, und es zeigte sich schnell, dass nicht jeder, der ein Telefon besaß, per Definition ein U2-Fan war. Die Gegenreaktion war schnell und brutal, insbesondere da Songs of Innocence qualitativ nicht gerade ein weiterer Joshua Tree oder Achtung Baby war. Schon bald war Apple gezwungen, ein Tool zu entwickeln, mit dem Benutzer den Datensatz mit einem einzigen Klick löschen konnten. Sie haben sogar eine Support-Website eingerichtet, um Benutzer durch den Prozess zu führen. „Ich dachte, wenn wir unsere Musik einfach den Menschen zugänglich machen könnten, würden sie sich vielleicht dafür entscheiden, danach zu streben“, sagte Bono später. "Nicht ganz."

Es gibt alle möglichen Orte, an denen Ja Rule sein Geld im Jahr 2017 hätte investieren können. Er hätte in Immobilien, an die Börse oder sogar Bitcoin gehen und wahrscheinlich viel Geld verdienen können. Stattdessen beschloss er, in Billy McFarlands Fyre Festival zu investieren. Gemeinsam buchten sie Pusha T, Tyga, Desiigner, Blink-182, Major Lazer, Disclosure und viele andere für ein exotisches Festival auf der Bahamas-Insel Great Exuma. Das einzige Problem war, dass sie nicht annähernd genug Zeit oder die nötigen Ressourcen hatten, um die Veranstaltung durchzuführen. Sie hatten auch überhaupt keine Ahnung, was sie taten. Am Ende wurde das Festival zu einer Höllenlandschaft im Escape From New York-Stil für die Fans, die es auf die Insel schafften, die nicht einmal ausreichend Essen oder Unterkunft hatte. Reiche Hipster lebten in Zelten statt in Luxus-Cabanas und ernährten sich von Käsesandwiches, während sie verzweifelt darauf warteten, endlich rauszukommen. „Ich entschuldige mich aufrichtig, denn das ist NICHT MEINE FEHLER“, twitterte Ja, als sich das Fiasko abspielte. Er und McFarland wurden mit Klagen konfrontiert, darunter einer Sammelklage in Höhe von 100 Millionen US-Dollar. Zu seiner Verteidigung: Letztendlich wurde Ja von jeglichem Fehlverhalten freigesprochen.

Zu Beginn der Siebzigerjahre waren Blood, Sweat & Tears eine der erfolgreichsten Gruppen in Amerika. Hits wie „You've Made Me So Very Happy“ und „Spinning Wheel“ waren unausweichlich; sie spielten Woodstock; und sie gewannen einen Grammy für das Album des Jahres gegenüber Abbey Road von den Beatles. Auf dem Höhepunkt ihres Erfolgs trafen sie die unerklärliche Entscheidung, eine vom Außenministerium gesponserte Reise durch Polen, Rumänien und Jugoslawien zu unternehmen. Die Idee bestand darin, die amerikanische Kultur in den sowjetisch kontrollierten Ostblock zu bringen. Aber das Misstrauen gegenüber der US-Regierung war aufgrund des Vietnamkriegs so groß wie nie zuvor, und Blood, Sweat & Tears konnten nicht anders, als wie Propagandafiguren der Regierung auszusehen – was sie mehr oder weniger auch waren. Die Band konnte ihren Ruf nie wiedererlangen. Fünf Jahrzehnte später einigten sie sich sogar darauf, an einem Dokumentarfilm mit dem Titel „What the Hell Happened to Blood, Sweat & Tears?“ mitzuwirken. das dringt tief in die Saga ein.

Wenn zukünftige Musikhistoriker versuchen, den genauen Moment zu bestimmen, in dem Kanye West begann, sich vom Helden zum Bösewicht zu entwickeln, werden sie wahrscheinlich die MTV Video Music Awards 2009 ausfindig machen. An diesem Abend stürmte er die Bühne, während Taylor Swift ihre Dankesrede für das beste weibliche Video für „You Belong With Me“ hielt. „Yo, Taylor, ich freue mich wirklich für dich“, sagte er. „Ich lasse Sie ausreden, aber Beyoncé hatte eines der besten Videos aller Zeiten! Eines der besten Videos aller Zeiten!“ West wurde aus der Show geworfen und sogar Präsident Obama nannte ihn einen „Idioten“ für den Stunt. Dies scheint ein kleiner Vorfall zu sein, wenn man all den Wahnsinn bedenkt, der folgen würde, aber der lange, dunkle und kurvenreiche Weg zum Trump-Hut und zum „Todesbetrug 3“ gegen jüdische Menschen, dem Vorführen von Pornos für seine Angestellten und allem anderen beginnt hier.

Theoretisch machte eine Feier zum 30-jährigen Jubiläum von Woodstock im Jahr 1999 durchaus Sinn. Die 25. Gedenkfeier im Jahr 1994 war ein großer Erfolg, und zu diesem Zeitpunkt gab es in Amerika einfach nicht viele Festivals. Warum nicht einige der größten Bands der Welt zusammenbringen und eine dreitägige Party veranstalten? Es stellt sich heraus, dass zu einem erfolgreichen Festival viel mehr gehört, als nur Bands zu buchen und Tickets zu verkaufen. Sie benötigen ausreichende Toilettenanlagen. Sie brauchen eine Möglichkeit, Wasser zu allen zu bringen, ohne ihnen 4-Dollar-Flaschen verkaufen zu müssen. Sie benötigen geschultes Sicherheitspersonal. Sie brauchen Orte, an denen Menschen Schutz oder auch nur Schatten finden, wenn es extrem heiß ist. Sie müssen einen besseren Standort finden als einen alten, düsteren, stillgelegten Luftwaffenstützpunkt im Norden des Bundesstaates New York. Woodstock 1999 hatte nichts davon. Es überrascht nicht, dass es mit Unruhen, Freudenfeuern und schrecklichen Geschichten über sexuellen Missbrauch endete. Die Organisatoren versuchten, im Jahr 2019 eine Veranstaltung zum 50-jährigen Jubiläum auf die Beine zu stellen, scheiterten jedoch, nachdem sie auf einer Pressekonferenz in New York City mit großem Getöse die Aufstellung bekannt gegeben hatten.

Bis 2020 genoss Eric Clapton einen hervorragenden Ruf in der Rock-Community. Kritiker verwiesen auf seine schockierend rassistische Tirade auf der Bühne im Jahr 1976, die jedoch weitgehend unter den Teppich gekehrt oder als Folge von viel zu viel Kokain abgetan wurde. Doch dann kam die Pandemie und Clapton schloss sich dem Chor der Idioten an, die lächerliche Lügen und Verschwörungstheorien über Covid-Impfstoffe von sich gaben. Er hat sogar Lieder zu diesem Thema aufgenommen. „This has gotta stop“, singt er bei „This Has Gotta Stop“. „Genug ist genug/Ich kann diesen Blödsinn nicht länger ertragen/Es ist weit genug gegangen/Wenn du meine Seele beanspruchen willst/Du musst kommen und diese Tür aufbrechen.“ Es ist der schlechteste Song in Claptons umfangreichem Katalog und viele Fans werden ihn nie wieder mit den gleichen Augen betrachten.

Über die Entscheidung von Decca Records, die Beatles nach einem Vorsingen im Januar 1962 abzulehnen, wurde so oft geschrieben, dass es schwierig ist, Mythos von Tatsachen zu trennen. Beatles-Manager Brian Epstein sagte, Decca-Chef Dick Rowe habe ihm gesagt, dass „Gitarrengruppen auf dem Weg nach draußen sind“, doch Rowe bestand darauf, dass es sich dabei um eine reine Fälschung handele. Sicher ist, dass die Beatles am 1. Januar 1962 15 Songs für Decca auf Tonband aufgenommen haben – und dass Decca die junge Gruppe abgelehnt hat. Das Label nahm stattdessen Brian Poole and the Tremeloes unter Vertrag. Dies war offensichtlich ein gewaltiger Fehler, der Decca unzählige Millionen gekostet hat, aber seien wir froh, dass es passiert ist, denn es brachte die Beatles auf einen Weg, der sie zu George Martin und all der Musik führte, die sie gemeinsam gemacht haben.

Als Jerry Lee Lewis 1958 zu seiner ersten Auslandstournee nach England reiste, beschloss er, seine neue Frau mitzubringen. Als er am Flughafen Heathrow landete, forderte ein Reporter die junge Frau auf, sich auszuweisen. „Ich bin Myra“, sagte sie. „Jerrys Frau.“ Dann wandte sich der Reporter an Jerry und fragte, wie alt sie sei. „Fünfzehn“, sagte er. Die Presse vertiefte sich in die Geschichte und fand schnell heraus, dass sie tatsächlich 13 Jahre alt und seine Cousine war. Der Schock sorgte weltweit für Schlagzeilen. Die Tour wurde größtenteils abgesagt und Lewis war nicht in der Lage, weitere Shows zu buchen oder weitere Hits in den Charts zu landen. Schließlich nahm er seine Karriere als Country-Künstler wieder auf und verdiente gutes Geld in der Nostalgieszene der 50er Jahre, doch der Skandal verfolgte ihn für den Rest seines Lebens, egal wie oft er versuchte, es wegzuerklären. „Ich habe das Mädchen geheiratet“, sagte er einem Reporter. „Habe ich das nicht getan?“

Die Rolling Stones machten viele Fehler, als sie beschlossen, ihre Amerika-Tournee 1969 mit einem riesigen Gratiskonzert im Woodstock-Stil in Kalifornien zu beenden. Sie haben es vermasselt, indem sie zunächst versucht haben, das Rennen im Golden Gate Park zu buchen, ohne genug Zeit oder Personal dafür zu haben, und sie gezwungen haben, es in letzter Minute auf den Altamont Speedway zu verlegen. Sie haben es vermasselt, weil sie nicht genügend Toiletten und Essen mitgebracht haben, um das Publikum unterzubringen, und indem sie eine Bühne nur 39 Zoll über dem Boden gebaut haben. Der letzte Fehler erforderte, dass sie ein Sicherheitspersonal engagierten, um die Bühne zu bewachen, und dies führte zum größten Fehler von allen: Die Hells Angels zu engagieren, um für diese Sicherheit zu sorgen. Für die Entscheidung wurden Grateful Dead oder Jefferson Airplane verantwortlich gemacht, aber die Stones stimmten ihr zu. Dies führte zum Tod des Fans Meredith Hunter durch die Hände der Angels und zu etwa 50.000 Essays darüber, wie dieser Vorfall das Ende des Traums der Sechziger markierte.